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C'est moi, Rob, un ragazzotto di belle speranze (che di bello c'ha solo questo), giovane promessa (mantenuta, per ora solo dai genitori) del mondo del giornalismo e della critica cinematografica
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Lost – seconda stagione
Appena finito di vederla. Bocca ancora spalancata. Solo alcune impressioni disordinate come feci per la prima stagione. Per mettere insieme un qualche pensiero coerente bisognerebbe riguardare tutte le puntate, ancora e ancora, ripassando anche quelle precedenti.
Se per voi questa parte del serial è ancora inedita vi avviso che il commento sottostante contiene una montagna di SPOILER.
1. La seconda stagione di “Lost” è il naturale sviluppo dialettico della prima. Se all’inizio i naufraghi hanno dovuto fare i conti soprattutto con il proprio Io, alla problematica ricerca del sé nel mezzo di un naufragio che assume contorni spirituali prima ancora che fisici, in questo secondo anno il tema centrale è la scoperta e il rapporto con L’Altro: diverso, insondabile, misterioso, minaccioso. “The Others” è il mantra che sembra risuonare incessantemente per tutti i nuovi 24 episodi. “Altri” sono anche i sopravvissuti della seconda metà dell’aereo. Non a caso una delle puntate più affascinati e per certi versi inquietanti è proprio “The Others 48 days”, un cui vengono ripercorsi tutti gli eventi accaduti sull’isola dal disastro aereo in poi, ma da una prospettiva diversa. Improvvisamente si spalanca ai nostri occhi un altro universo narrativo speculare. Si rimane spaesati pensando che è tutta una questione relativistica: il serial avrebbe potuto scegliere loro come protagonisti, tutta la storia avrebbe potuto essere osservata dal loro punto di vista. L’effetto disorientante è simile a quello che si prova leggendo racconti fumettistici basati su mondi paralleli o alternativi rispetto a quelli della story centrale.
2. Il rapporto con gli altri è sempre rappresentato in maniera problematica e oppositiva (e se, come si dice, “Lost” è una delle incarnazioni più precise delle nostre fobie contemporanee ciò dovrebbe far riflettere). Non solo nei confronti degli inquietanti e quasi soprannaturali “Others”, ma anche in relazione al secondo gruppo di superstiti. Che, soprattutto all’inizio, sembrano una sorta di “Dark side of Lost” e ogni personaggio pare il rovesciamento speculare e negativo di un altro: Ana Lucia leader anti-eroica e distruttrice (nessun’altra attrice avrebbe potuto incarnarla meglio di Michelle Rodriguez) contrapposta alle virtù positive e risanatrici di Jack, Mr. Eko come lato più oscuro e irrequieto dello spiritualismo incarnato da Locke e così via… Il gioco dei rimandi (di situazioni, di gesti, di inquadrature) è a ogni modo talmente preciso da raggiungere il virtuosismo.
3. Il tema del Destino e della Fede assumono sempre più un’importanza fondamentale. A partire naturalmente da quel maledetto computer in cui si deve inserire uno strano codice numerico ogni 108 minuti, pena (forse) la salvezza mondiale. Una delle immagini più geniali dell’intero serial, anche perché riesce a dare concretezza e tangibilità a uno dei concetti più misteriosi e difficili da definire: da dove nasce la fede? Il progetto Dharma è forse una delle metafore più incisive mai realizzate della scommessa pascaliana. D’altro canto è incredibilmente ironico che due tizi che si chiamano John Locke e David (Desmond) Hume fondino le proprie credenze su una realtà intangibile e inverificabile. 4. Filosofia, religione, politica, psicologia, sociologia, numerologia. Famiglia, amore, malattia, dipendenza, conversione, crescita, maturazione. Vita e morte. “Lost” è sempre più un ipertesto enciclopedico della contemporaneità, una cartina al tornasole della cultura di massa, una rielaborazione della nostra coscienza collettiva.
Batman: the movie
di Leslie H. Martinson
con Adam West, Burt Ward
Usa 1966
Pow! Bang! Thud! Sbong! Ma soprattutto: Kitch! Camp! Pop! Psycho!
Corre voce che Federico Fellini apprezzasse questo film. E, a guardar bene, non è difficile crederlo. Con tutti i distinguo del caso e con le dovute proporzioni “Batman” classe ’66 è davvero un’opera felliniana. Goliardia fumettosa, parata carnascialesca, giostra psicotropa: giustamente dedicato ai “lovers of adventure, lovers of pure escapism, lovers of unadulterated entertainment, lovers of the ridiculous and the bizarre”, il film tratto dalla mitica serie televisiva con Adam West e Burt Ward è un degno monumento ai chiassosi e saturi anni Sessanta. Vette di demenza sfacciata, di comicità (in)volontaria, di sessualità serpeggiante (c’è pure il bondage!) e repressa (Robin ansimante!) che sono mille miglia lontane dalle prove, per quanto già abbondantemente grottesche e caricaturali, di un Joel Schumacher.
Ho appena scomodato Fellini: non contento tiro in ballo pure Lewis Carroll (sperando che nessuno si rivolti nella tomba…). Perché Gotham City è piuttosto una 
“stupefacente” Wonderland, in cui indovinelli assurdi suscitano risposte ancora più assurde (ma stranamente esatte), le leggi della logica e della verosimiglianza risultano sghembe e inclinate come le inquadrature e tutti sembrano agire sotto l’effetto di gas esilarante. Tra cartelli situazionistici, dialoghi da teatro dell’assurdo, slapstick puro (l’improponibile sequenza della bomba), visionarietà di costumi e scenografia si riesce incredibilmente a produrre sul serio “divertimento non adulterato”.
Il dvd è folle fin nei menù ed è infarcito di Bat-extra, tutti sottotitolati in italiano: commento audio di Adam West (che non si fa certo pregare) e Burt Ward, featurette (neanche qui West fa il timido…), intervista all’inventore della Batmobile, trailer e gallerie d’immagini.
Inventario: SBV 14037 Collocazione: F MARTLH BAT
Flags of our fathers
di Clint Eastwood
con Ryan Phillippe, Jesse Bradford, Adam Beach, Barry Pepper, Jamie Bell, Neal McDonough, Paul Walker, John Benjamin Hickey
Usa 2006
Stavolta bisogna cominciare dalla fine. Dai titoli di coda. Infatti, solo a partire dalle imprescindibili – badate, è un avvertimento – ultime immagini in calce a “Flags of our fathers” è possibile dare un senso a ritroso a tutto ciò cui abbiamo assistito prima. Nel raccontare la storia oscura e non ufficiale che si cela dietro la genesi della foto bellica forse più famosa di tutti i tempi, l’innalzamento della bandiera americana durante la battaglia di Iwo Jima, Clint Eastwood sceglie la strada della ricostruzione nel senso più letterale ed estremo del termine: plasma “pezzi di mondo” realmente esistiti, servendosi con meticolosità delle fotografie e delle testimonianze dell’epoca. Ce ne accorgiamo appunto solo a conclusione di spettacolo quando, accanto ai nomi di cast e tecnici, vediamo scorrere anche le immagini che ritraggono i veri soldati, sorprendendoci di come volti, gesti e situazioni siano del tutto identici a quelli messi in scena nelle due ore precedenti. Cosa spinge a una simile ansia filologica che sconfina quasi nel maniacale? Non sarebbe stato più logico abbandonare del tutto la fiction per affidarsi alla forma documentaria? Una possibile spiegazione è che se la storia, e quindi la Storia, sono fondate sulla manipolazione e sull’artificio, allora l’unico modo per raccontare il vero è quello di tradurlo in finzione. È questo il nodo ingarbugliato su cui si arrovella “Flags of our fathers”, non un film bellico, non un pamphlet politico (ah, quanto è rimasto deluso chi si aspettava da “Dirty Harry” un peana patriottico e nazionalistico!), ma soprattutto un tentativo di riflettere sulla natura artificiale dei mass media che, dalla Seconda guerra mondiale al conflitto iracheno, sono il vero, il più decisivo e penetrante campo di battaglia.
Il contrasto tra il rivoltante sozzume della guerra e l’immagine ripulita e conciliante che ne ha l’opinione pubblica non potrebbe essere più stridente: frontiera aliena e inospitale trasformata in un sogno di cartapesta per tifo da stadio; sciroppo di fragola ad addolcire una realtà sanguinante; eroi dati in pasto a una gragnola di flash, svenduti al ribasso in nome della logica dei dollari. Noi spettatori oscilliamo continuamente tra le due facce che può assumere una medaglia (al valore), sballottati continuamente tra passato e presente, storditi da un marchingegno narrativo complesso –difficilmente etichettabile come classico – in cui i piani temporali s’innestano a matrioska e si passa da una voce narrante all’altra.
In attesa di completare il dittico dedicato alla Seconda guerra mondiale con un secondo affresco, “Letters from Iwo Jima”, film-specchio che ribalterà gli eventi secondo la prospettiva dei “nemici”, Eastwood qui si concentra sulla sua America. E “Flags of our fathers” è l’occasione per interrogarsi sulle radici di una Nazione, alla disperata ricerca del vero spirito della bandiera a stelle e strisce. Non a caso il personaggio cui è dato maggior risalto è proprio il marine pellerossa Ira Hayes, emblema di tutte le minoranze (ah, come si sono arrampicati sugli specchi i commentatori che hanno accusato “Dirty Harry” di razzismo per non aver dato spazio ai soldati di colore!), anzi la minoranza per eccellenza. Intrappolato in una logica e in una cultura che non sente sua, oggetto d’emarginazione e dileggio anche dopo essere suo malgrado diventato un eroe, nella sua tragedia s’incarna il destino di un intero popolo.
Lungi dall’essere classico (come se oggi fosse ancora possibile) il cinema di Clint Eastwood è anti-fordiano e anti-spielberghiano (a dispetto delle somiglianze di superficie con “Salvate il soldato Ryan”): inscena il tramonto dell’eroe e mette una pietra tombale sui generi, dal western, allo sportivo, al war movie. Viviamo in un mondo imperfetto e spietato: la salvezza, se esiste, non è più affare collettivo e sociale, ma personale. Si trova in disparte, lontana dai riflettori pubblici, magari su una spiaggia dove sei amici fanno il bagno, per un attimo spensierati.Voto: 
criticato da: rob81 alle ore 13:11 | link | commenti (13) |
categorie: prima visione, clint eastwood
categorie: prima visione, clint eastwood
The Departed
di Martin Scorsese
con Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg
Usa 2006
Adesso che oramai l’avrete visto tutti potreste cortesemente dirmi per quale motivo “The Departed” dovrebbe essere considerato un capolavoro? Per come la penso io non basta la perfezione tecnica a fare un buon film, figuriamoci un capolavoro. “The Departed” a mio avviso ha lo stesso problema di tutta l’ultima filmografia di Martin Scorsese (diciamo da “Gangs of New York”): confezione lustra e impeccabile, ma poca passione vera e – per usare una bruttissima parola – “urgenza”.
E lasciamo stare la vexata quaestio del rapporto tra originale e remake, chè a me “Infernal Affairs” (il primo capitolo della trilogia di Andrew Lau e Alan Mak) non è poi piaciuto così tanto (melodrammismi a parte sembra quasi un prodotto hollywoodiano).
Il problema semmai è che Scorsese pare abbia fatto un remake di se stesso. “The Departed” è la versione sintetizzata e da “reader’s digest”, quindi con una forma più patinata e un’estetica quasi da blockbuster, di tutta la sua produzione di gangster movie da “Mean Streets” a “Quei bravi ragazzi”: una rissa da bar come quella di Joe Pesci del tempo che fu, un Jack Nicholson “denirizzato”, i soliti contrasti etnico-religiosi nel crogiuolo della Grande Mela e così via.
Ma se i capolavori (quelli sì) degli anni Settanta, Ottanta, e anche Novanta, riuscivano a catturare un disagio reale e a rappresentare per davvero una società e un’epoca “The Departed” sembra non aver molto da dire oggigiorno, moraletta trita sull’ambiguità del rapporto tra bene e male a parte. Non venite per favore a parlarmi di visione cupa e spietata come se fosse una novità nel cinema di Scorsese, altrove anche più cinico (e, comunque, il finale risponde più che altro alla logica tradizionale e cristiana della punizione divina nei confronti del “peccatore”).
In realtà forse sto esagerando un po’ troppo, perché di certo i motivi per apprezzare il film non mancano (su tutti un’ottima sceneggiatura che calibra alla perfezione tutte le corrispondenze speculari tra i due protagonisti, intrecciando in parallelo tematiche familiari e parentali, un montaggio attento e preciso e l’interpretazione di Leonardo DiCaprio, che il regista in questi anni è riuscito come un demiurgo a plasmare completamente). Forse è sciocco pretendere opere rivoluzionarie da un vecchietto ultrasettantenne che ormai sembra cercare dimensioni alternative in cui mettersi alla prova (come quella del documentario). Se però dovessi indicare il miglior action movie dell’anno sceglierei mille volte Michael Mann: lui sì che tenta ancora di sperimentare all’interno della roccaforte di Hollywood.
Voto: 
criticato da: rob81 alle ore 00:29 | link | commenti (11) |
categorie: prima visione, martin scorsese
categorie: prima visione, martin scorsese
Segnalazioni con poco anticipo
A partire da oggi il cineclub "Il raggio verde" di Faenza organizza una tre giorni dedicata alla figura di Yukio Mishima. Il programma lo trovate qui. Io spero di farci un salto domani.
Geek geek 2 - Merenda per tre
di Flavio e Sikkolo
con Flavio, Sikkolo, Pelaz
Italia 2006
Ho quello che fa per te. È un film bellissimo. C’è amore, alieni e tv digitale terrestre.
Flavio e Sikkolo strike back! Il duo più geek della rete, dopo il primo delirante “corto(medio)metraggio” realizzato direttamente da sfigati per sfigati, mette a segno un nuovo colpo ai danni della (nostra e loro) stabilità mentale.L’opera seconda, si sa, è sempre la più difficile. Le pressioni della critica, la preoccupazione di non deludere i propri fan e la volontà di migliorarsi sia tecnicamente che stilisticamente pesano come macigni, finendo spesso per inibire la creatività artistica. Un’ansia ben incarnata dal personaggio del Pelaz, che non a caso stringe per tutto il tempo una copia di “Duellanti” (il numero in cui “Geek Geek” è stato recensito) e si esprime sempre in modo ermetico e cerebrale.
Ma per fortuna i nostri alfieri dell’Internet compulsivo dopo qualche titubanza iniziale mettono al bando sterili intellettualismi e tornano a concentrarsi su ciò che sanno fare meglio: filmarsi e parlarsi addosso (del resto la loro vera natura viene fuori con la parodia della cinefile snob).
I due protagonisti ci sommergono letteralmente di dialoghi assurdi e surreali. Spesso ciascuno non si prende neanche la briga di seguire il filo dell’altro, ma sceglie di rimane imprigionato nelle sue solipsistiche ossessioni: Flavio in preda a un’ipocondria all’ultimo stadio e Sikkolo corrucciato da tormenti affettivi.
Descritta così sembrerebbe la rappresentazione di “un’esperienza introspettiva”, di quelle che piacciono tanto a certo cinema impegnato. Invece siamo per fortuna da tutt’altra parte. “Merenda per tre” è più che altro una succosa antologia comica sul senso dell’essere Geek. O se preferite una cartina al tornasole della nerditudine. Della serie, se rispondi positivamente a una o più di queste affermazioni: hai mai fatto foto al tuo Ibook per metterle su Flickr.com? Tenti di abbordare le tipe illustrandole la tua teoria su “cosa ha fatto Kate”? Trovi analogie tra le ragazze e i file torrent? Ami discettare sul futuro della Nintendo? Possiedi la tessera del blog di Selvaggia Lucarelli? Allora devi iniziare a preoccuparti.
Apprezzabili in particolare i numerosi riferimenti a “Lost” (il filmato della Virtual 3d Friend sembra ispirato a quello della Hanso Foundation) e la colonna sonora (titoli di testa e coda) “professionale”.
Ogni saga epica merita una trilogia. Consapevoli di ciò, non possiamo che attendere con ansia il prossimo episodio di “Geek Geek”.