Capitemi bene: il film è stupidissimo, forse la stupidità fatta film, non so assolutamente chi sia l’attore/regista Steve Oedekerk e l’idea di ridoppiare un film asiatico stravolgendone il significato è un plagio da “What’s up Tiger Lily?”. Ma, nonostante tutto ciò, il sottoscritto si è divertito un casino, perfino più che con il film di Woody Allen. Sarà che il mio senso estetico incomincia a vacillare, sarà che la parodia degli stilemi del kung fu movie (l’interminabile susseguirsi di zoommate, l’iteratività narrativa) ha con me gioco facile. Saranno soprattutto alcune sequenze da trip lisergico: l’incipit in cui un neonato palesemente finto si esibisce nelle arti marziali, il combattimento contro una mucca (?), il personaggio di Ling-ua (o meglio Tongue). Si continua a precipitare sempre più in basso nel precipizio dell’assurdo: marmotte usate come nunchaku, una guerriera con una tetta sola e alla fine arrivano pure dei misteriosi dischi volanti guidati da alieni francesi (???). Il tutto con effettacci orribili e nuovi attori sovrapposti a immagini di un vecchio film di Wang Yu. Ma io ho riso lo stesso.

Ho fatto outing, mi sento meglio. Magari un giorno parlerò anche di altre perversioni sempre legate a scadentissimi b-movie comico-demenziali (come “Half baked”, per esempio).

 

Forse pochi conoscono questo film. Non che tutti gli altri si siano persi un capolavoro imprescindibile, anzi il soggetto – un ballerino indiano va in Usa a cercar fortuna, viene coinvolto per caso in un film a luci rosse, diventa sempre per caso un rinomato santone del sesso, ma abbandona fama e gloria per il vero amore – scivola presto nella linearità e nella prevedibilità.

Però ci sono molti buoni motivi per vedere “Il Guru”: Tanti bei numeri musicali che irrompono all’improvviso come nei film Bollywoodiani; Hether Graham che recita di nuovo la parte della pornodiva dopo “Boogie night” e dispensa perle di saggezza filosofica; il protagonista che rifà “Risky Business” e “Grease” in hindi e alcune battute a dir poco geni(t)ali come “la passera è la porta della mia anima” e “ho parlato al telefono con una pornostar: aveva la voce tutta nuda”.

Il film è un po’ loffio, nel senso che vorrebbe sfruttare la recente bollywoodmania sulla scia di successi come “Sognando Beckham” (che invece non mi è piaciuto per niente), “East is east” (molto carino), “Matrimoni e pregiudizi” (che non ho visto, ma a occhio mi sembra leccatino), ecc, e ciò si nota su più fronti, ad esempio nella scelta “facile” della colonna sonora. E inoltre recita Marisa Tomei. Ma sono difetti trascurabili; quel che conta è che ci si diverte come di recente non capita(va) in una commedia americana senza troppe pretese.

 

Forse è bene chiarire subito le cose. “Pulse” è l’ennesimo horror adolescenziale tardoestivo di serie B americano. Ma probabilmente non tutti sapranno che il film del semi-esordiente Jim Sonzero è anche l’ennesimo remake di un horror giapponese che ha avuto notevole successo sia in patria che all’estero, “Kairo” (il cui titolo inglese era appunto “Pulse”) di Kurosawa Kyoshi.

 

Da quando si è diffusa in campo internazionale la moda del new japanese horror, Hollywood, già in profonda crisi di idee soprattutto nel settore del cinema orrorifico, non ha esitato a proporre adattamenti su adattamenti dei titoli più famosi, come la serie dei “The Ring” e dei “The Grudge” e “Dark Water”. Tuttavia finora si è trattato di rivisitazioni che hanno preso in prestito solamente gli aspetti più esteriori ed epidermici delle opere, svuotandole completamente del senso e delle istanze originarie e innestandole nei consueti binari dell’horror made in Usa.  

 

Caso estremo è quello di un regista come Kurosawa Kyoshi che, forse ancora più d’altri maestri nipponici come Nakata Hideo e Shimizu Takashi, si è spinto al di là delle convenzioni dell’orrore, usando il genere come pretesto per fare cinema sperimentale ed esistenziale. “Kairo” è considerato uno dei suoi massimi capolavori: angosciante apologo sulla solitudine e lo smarrimento dell’uomo moderno (non solo giapponese), sempre più imbrigliato dalle nuove tecnologie che, lungi dal fornire nuovi spiragli comunicativi, finiscono paradossalmente per isolarlo ancora di più. Ma, al di là della riflessione sui mezzi di comunicazione digitali (la storia ha per oggetto una maledizione spiritica diffusasi tramite Internet), l’interesse di Kurosawa è quello di dipingere la connaturata e universale incomunicabilità dell’uomo e il deserto emotivo che da sempre ci circonda.

 

Il “Pulse” statunitense mette da parte qualunque riflessione di natura metafisica e l’unico messaggio che si può rintracciare è buono al massimo per una pseudo-inchiesta d’attualità modaiola: i telefonini e le chat al computer creano tra i giovani comunicazioni artificiali che soppiantano l’autentico contatto sociale (ma è una morale talmente stupida e insignificante che speriamo vivamente di esserci sbagliati nell’averla individuata). Il resto è vuoto pneumatico: senza esagerare, è come se si fosse preso in prestito un soggetto di Ingmar Bergman per realizzare una commedia dei fratelli Vanzina.

 

Non a caso le uniche sequenze che strappano qualche sensazione d’inquietudine sono rubate per intero dal film originale (il sito web che accoglie il navigatore con la frase: “Vuoi incontrare un fantasma?”), mentre le aggiunte ex-novo (lo spirito sbucato dalla lavatrice, per esempio) sono per lo più ridicole. Tutto il resto, dagli interpreti agli effetti speciali, è di seconda categoria. Apprendere che un maestro come Wes Craven è stato coinvolto nella realizzazione, seppur solamente in qualità di supervisore alla sceneggiatura, suscita stupore e rammarico.

 

Se remake come questi possono servire a qualcosa, è proprio nello stimolo a riscoprire la fonte d’ispirazione originaria. Consigliatissimo è dunque il ripescaggio in dvd del capolavoro di Kurosawa, da reperire purtroppo in siti internet esteri (ad esempio su www.play.com), visto che in Italia non ci si è ancora degnati di distribuirlo. “Pulse” è invece altamente sconsigliato, a meno che non muoiate per il bel visino della signorina “Veronica Mars” Kristen Bell (giusto il visino, comunque, perché per il resto si concede ben poco). Per i tv-maniaci c’è anche l’ex-naufrago di “Lost” Ian Somerhalder.

 

Non starò qui a dilungarmi sulla figura di Lau Kar-Leung (aka Liu Chia-Liang), uno dei più grandi coreografi d’arti marziali di sempre, colui che seppe resuscitare il genere kung fu dopo la crisi degli anni ’70 causata dalla morte di Bruce Lee, inventando anche alcuni filoni nuovi, come quello dedicato ai monaci Shaolin. In caso voleste saperne di più, quest’uomo gli ha dedicato una tesi. 

 

Neanche di “36th Chamber of Shaolin” varrebbe la pena di parlare: il film è un monumento sacro, circondato da un alone quasi mitico, e molti più esperti di me ne hanno già sviscerato ogni minimo dettaglio. È proprio vero che le parti più riuscite del film sono quelle in cui la storia s’interrompe per lasciar posto all’addestramento fisico e spirituale che il protagonista compie attraverso le 35 camere. Quando la dimensione narrativa evapora e ci si concentra solo sul kung fu nudo e crudo il film di Lau Kar-Leung finisce per diventare formalista e astratto. Una dichiarazione d’intenti che traspare fin dai titoli di testa: Gordon Lui, da solo, sotto la pioggia, che si offre edonisticamente in tutto il suo talento. È evidente come a Lau Kar-Leung interessi solo la bellezza plastica del combattimento; tutto il resto è accessorio. Plasticità e ritmo sono esaltati dall’accuratissima composizione dell’inquadratura (che si avvale spesso dello zoom per ritagliare lo spazio e patemizzare l’azione) e dal religioso rispetto per il pianosequenza durante i duelli.

 

Ma forse l’aspetto più sbalorditivo di “36th Chamber of Shaolin” è la sua musicalità. La scansione ritmica della lotta è anche (e direi soprattutto) sonora: lo scrosciare dell’acqua, lo sfrigolio delle lame, il rintocco delle campane, il cozzare del bastone seguono a tempo le danze marziali di Gordon Liu. Non c’è da stupirsi dunque che questi film abbiano dato origine ad un vero e proprio genere di musica rap (rimandiamo sempre al Dr. Murda per un approfondimento in materia).

 

Il film pullula di star delle arti marziali: oltre a Gordon Lui sono quantomeno da citare il “Chinese boxer” Wang Yu e il cattivone Lo Lieh.

 

 

Con “Barren Illusion” la tendenza all’erosione e ella scarnificazione del genere, tipica in Kurosawa, giunge alle estreme conseguenze fino al totale sgretolamento del racconto. La trama, che a quanto pare, stando alle sinossi che si trovano in giro, parla di pollini velenosi e di una coppia in crisi che si sottopone e a una terapia sperimentale per contrastarne l’effetto, è davvero ardua da seguire. L’horror si sfarina del tutto e Kurosawa decide piuttosto di ispirarsi ad Antonioni (nei dialoghi e nella rappresentazione della vacuità). Il risultato, come si sostiene anche da altre parti, non è sempre soddisfacente. In ogni caso non aspettatevi un film dell’orrore, se non in senso molto lato: più che orrore, male di vivere e disperazione interiore.

Una baracconata, ma nel senso buono. Del resto è proprio da lì che comincia la storia di “Pirates of the Caribbean”, da una famosa attrazione dei parchi a tema Disney. È rimasto poco o nulla della giostra originaria, giusto il cagnolino che aiuta i pirati a sgattaiolare fuori di prigione e che anche in questo secondo capitolo occupa un ruolo determinante (occhio ai titoli di coda se non volete perdervi una gustosa scenetta…).

Jerry Bruckheimer, produttore dal fiuto invidiabile – che di solito realizzi film pessimi è un altro discorso, però da lui dipende gran parte dell’attuale immaginario americano, da “Beverly Hills Cop” a “CSI” – ha fatto della saga di “Pirati dei Caraibi” (una trilogia? Il terzo episodio è già quasi pronto, ma è facile credere che i seguiti non si fermeranno finché gli incassi continueranno ad arrivare) un carosello cartoonesco e tecnoludico, messo insieme soltanto con pezzi di prim’ordine: star di lusso (il triangolo Depp, Bloom e Knightley), una sceneggiatura leggera e brillante (dagli autori di “Shrek” Ted Elliott e Terry Rossio), gli effetti speciali migliori (quelli dell’Industrial Light and Magic di George Lucas) e la sicurezza che può fornire solo il marchio Disney Buena Vista in termini di merchandising.

Tanto di cappello, ma il vero successo è stato lui a garantirlo: Johnny Depp, che ha preso un semplice film d’avventura e lo ha sfruttato come porto franco per istrionismi e divagazioni personali in stile da rock star. Depp è “Pirates of the Caribbean”: il suo carisma plasma e risucchia ogni millimetro di pellicola fino a identificarsi con esso.

Il primo “Pirati dei Caraibi” era neoclassico, nel modo in cui attualizzava i generi del periodo d’oro hollywoodiano, dall’avventura fino alla commedia screwball e slapstick, sulla scia di quanto aveva già fatto Lucas con la prima trilogia di “Guerre Stellari” (senza che il paragone appaia sacrilego).
Il seguito invece acquista toni decisamente neobarocchi. Barocco è il trucco sempre più pesante ed eccentrico di capitan Jack Sparrow, soprattutto quando viene agghindato come una divinità da una tribù di indigeni cannibali: quattro paia di occhi finti sulla faccia, un copricapo sghembo ricolmo di piume e un improbabile spolverino a fare da scettro. Barocco è il look immaginifico ed estroso della ciurma di Davy Jones, curiosi ibridi tra uomini e animali marini: lo stesso Jones ha una testa da polipo che brulica di tentacoli, ma c’è anche il pesce martello, la conchiglia, il granchio, via via fino a esaurire ogni possibile combinazione ittica. Barocca è la costruzione delle fughe e degli inseguimenti: rocamboleschi e arzigogolati, si sviluppano sempre in contesti insoliti e seguono traiettorie fantasmagoriche, dall’entrata in scena di Jack dentro una bara, alla corsa attraverso gigantesche gabbie circolari, al duello sopra una turbinosa ruota da mulino.

Il film di Verbinski è un vortice marino che risucchia senza ritegno tutto ci che gli si para dinanzi, un mostro tentacolare – come il mitologico Kraken che nel film si avventa contro la Perla nera di Sparrow – che avviluppa tra le sue spire uno sterminato immaginario di successo. Vi si trova dentro non solo tutto il repertorio piratesco e la sua rivisitazione parodica (oggetto, ad esempio, del videogioco capolavoro “Monkey Island”, non a caso prodotto da Lucas), ma anche, citando a casaccio: le scogliere a picco che sembrano rubate dall’isola di “King Kong”, il mostruoso organo del “Fantasma dell’Opera” suonato con dai tentacoli di Davy Jones, un mexican standoff (termine che indica quando due o più persone si tengono sotto tiro a vicenda con delle armi) realizzato con le spade, che viene dritto dai film pulp. Ma il modello di riferimento – lo ripetiamo: senza fare accostamenti di natura sacrilega – è soprattutto “Star wars”: “La maledizione del forziere fantasma” termina in fieri esattamente come “L’impero colpisce ancora”, con un personaggio importante in bilico tra la vita e la morte. Gli avvenimenti si amalgamano bene con quelli dell’episodio precedente, la relazione tra Will ed Elizabeth si sviluppa e si complica ulteriormente (con Sparrow a fare da terzo incomodo) e alcuni vecchi personaggi riappaiono sul più bello.

Una baracconata, insomma, fracassona e furfantesca. Tutto sta nel voler farsi raggirare da un manipolo di mascalzoni con la gamba di legno e la benda nell’occhio….

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