di Jean-Pierre e Luc Dardenne
con Jérémie Renier, Olivier Gourmet
Francia/Belgio 2005 

“Prepararsi a un film è come prepararsi a una partita di calcio: i giocatori devono prima allenarsi duramente, altrimenti giungono in campo spompati” sentenziano Jean-Pierre e Luc Dardenne, affaticati ma molto disponibili, al termine dell’anteprima di “L’Enfant”, Palma d’oro a Cannes 2005. E il duo, in quanto a preparazione, non lo batte nessuno: la genesi di ogni loro opera segue un precisissimo e dettagliato processo che parte da una selezione attenta degli interpreti (che i fratelli affrontano personalmente, non fidandosi delle sempre più diffuse agenzie di casting), la scelta delle location (rigorosamente reali) e degli abiti di scena. A questo segue un periodo preparatorio di alcuni mesi, durante i quali gli attori imparano a muoversi sui luoghi delle riprese, incominciano a indossare gli abiti e a far proprio il loro personaggio. Questa attenzione meticolosa al gesto, allo sguardo, prima ancora che alla parola è funzionale al raggiungimento di un “naturalismo” che non è realismo documentario, bensì ricerca del vero all’interno della finzione. E per ricreare l’effetto di realtà, i Dardenne non si affidano solo alla recitazione (straordinaria) degli interpreti, ma anche a uno stile, tutto pianisequenza e macchina a mano, tutto primi piani e fuori campo attivo, che, ne “L’Enfant” riesce anche a caricare di tensione ogni inquadratura, fino al totale coinvolgimento degli spettatori.
Parla di immaturità, “L’Enfant”. Ma il bambino del titolo non è il figlio che la giovane Sonia ha avuto con Bruno, ladruncolo di quartiere, bensì Bruno stesso che, incapace di comprendere il concetto di paternità, pensa di venderlo per far soldi, alla stregua di uno dei tanti oggetti che trafuga regolarmente.  Alla moglie che gli chiede dove sia finito il piccolo lui non trova di meglio che rispondere: “L’ho venduto. Tanto ne facciamo un altro”.  Come un bambino, Bruno attraversa, lentamente e sottopelle un processo di crescita e consapevolezza che si manifesterà solo nel finale,  forse un po’ troppo calcato e non del tutto realistico.  Ma il tema dell’immaturità s’interseca strettamente con quello della marginalità. Bruno è in parte vittima di una società che lo respinge e a cui tenta di adeguarsi (inseguendone i miti di successo e ricchezza) come può. Le sequenze più forti, non a caso, sono proprio quelle in cui si vede Bruno rubare per sopravvivere, dormire in uno scatolone, rischiare il tutto per tutto con uno scippo in scooter assieme a un ragazzino.
I Dardenne non citano modelli di riferimento. Anzi, rifiutano l’eredità della “Nouvelle Vague” e aborrono tutto il cinema intellettuale citazionista e cinefilo. Se proprio non potete fare a meno di sondare influenze nascoste, meglio fermarsi ad “Accattone” di Pasolini: i fratelli apprezzeranno.

P.S. Leggete il Murda che, oltre a farmi compagnia ieri sera, ha scritto cose interessanti.

P.P.S. Ovviamente ho il loro autografo.

Voto:  

YEhhhhhhhh!!!!

Ehm, scusate, ora mi ricompongo.
Autografo a parte, la cerimonia di conferimento della laurea honoris causa a Martin Scorsese è stata molto interessante sia folkloristicamente (non ne avevo mai vista una prima) sia per le informazioni che il buon Martin ha rivelato nell’orazione di chiusura. A quanto pare è già in lavorazione la seconda parte del documentario “Il mio viaggio in Italia”. Mentre nel primo Scorsese affrontava le opere che l’hanno influenzato nell’infanzia e nella formazione (Neorealismo soprattutto), nel secondo si dedicherà a quei registi che hanno influito maggiormente su di lui quando già incominciava a girare i primi film (anni ’60 e ’70). Si è soffermato in particolare su quattro autori: Pasolini, Olmi, Rosi e Rossellini. Del primo ha esaltato soprattutto “Accattone” (dicendo tra l’altro che ne ha tratto ispirazione qualche anno più tardi per “Mean Streats”) e “Il vangelo Secondo Matteo” (rivelando che in quello stesso periodo aveva pensato di girare la Passione ambientandola nel Bronx odierno, ma P.P.P. gli aveva fregato l’idea). Di Olmi (presente in sala) ha fatto un elogio appassionato, citando “Il posto” e “I fidanzati” (che a quanto pare ha avuto un grande influsso su di lui). Ha poi sottolineato la duplice componente del cinema di Francesco Rosi: impegno mescolato a lirismo, che raggiunge il suo apice in “Salvatore Giuliano”. Ma è stato su Rossellini che ha insistito di più, sottolineando soprattutto le produzioni didattiche per la televisione (“l’ascesa di Luigi XIV” è per Scorsese uno dei migliori film di sempre e ha detto di averlo citato nella sua produzione parecchie volte).  Naturalmente non ha mancato di elencare altre figure storiche come Fellini, De Sica, Antonioni e De Seta.

Dopo la cerimonia, si è mostrato disponibilissimo verso tutti i fan: fa un lungo giro con moglie e figlia per salutarli, fare foto, firmare autografi. Che classe, signori.

Scusate la rozzezza stilistica di questo post, scritto in fretta e furia.   

di Shinya Tsukamoto

con Shinya Tsukamoto, Kirina Mano, Takahiro Murase

Giappone 1998

Tsukamoto abbandona la fantascienza cibernetica e lo “Tsukamotion” (cioè il “passo uno” elevato a riflessione filosofica, come dice il buon Ghezzi) di “Tetsuo” per gettarsi in un melodramma urbano a tinte fosche, dove amore e vendetta danzano insieme a ritmo di proiettile. L’ossessione primaria del regista, ovvero la fusione apocalittica tra uomo e metallo rimane però intatta, e  questa volta si incarna in un unico strumento: la pistola. Simbolo forte (anche fallico?) che permette al protagonista di colmare la propria incompletezza. Anche l’amore può sublimarsi soltanto se passa attraverso un’arma.

Non ci sarà lo “Tsukamotion”, ma i continue rallentamenti  e accelerazioni  di montaggio trasmettono la stessa sensazione di artificiosità temporale.

Almeno una sequenza è d’antologia: Chisato che "accarezza" la metropolitana mentre passa a tutta velocità (brividi)

Visto con i compagni d’alloggio, che però non hanno gradito (ahi!).