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Un blog di nicchia. |
Il responsabile di tutto
C'est moi, Rob, un ragazzotto di belle speranze (che di bello c'ha solo questo), giovane promessa (mantenuta, per ora solo dai genitori) del mondo del giornalismo e della critica cinematografica
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Altre visioni
È da un po’ di tempo che scrivo alcuni articoli e recensioni per qualche rivista on line di cinema. Ho pensato che magari chi legge questo blog poteva essere interessato anche a quanto ho scritto da altre parti. Per questo motivo vi linko il Tumblr in cui inserisco, a mo’ di archivio, tutti i rimandi ai miei articoli. Adesso (se ci riesco) inserisco anche uno script per integrare nelle colonne di questo template gli ultimi aggiornamenti del Tumblr (anzi, se avete applicazioni da suggerire fatelo pure).
Kung Fu Panda
di Mark Osborne e John Stevenson
Usa 2008
L’unica cosa che poteva convincermi a portare il culo al cinema per vedere un cartone animato 3D (per giunta griffato Dreamworks) è ovviamente il kung fu. Le major hollywoodiane cominciano a rendersi conto che da quelle parti in Oriente ci sono più o meno un miliardo e trecentomila potenziali spettatori da sfruttare e la Dreamworks, colta la palla al balzo delle Olimpiadi, si è decisa a realizzare un prodotto globalizzato che strizza l’occhio al made in China. Il Risultato pressoché scontato è l’annacquamento di tutte le influenze (estetiche e culturali) di matrice orientale: riferimenti solo di facciata (che strizzano l’occhio un po’ al New age e un po’ a Kill Bill, praticamente come la pubblicità della Yoga) affogati nella solita trita moraletta american way of life (sii te stesso e ce la farai), cui ormai non riesce a credere più nessuno. I riferimenti di Kung Fu Panda non sono certo Chang Cheh o Liu Chia Liang, come sostiene (inspiegabilmente) Giona Nazzaro su “Film Tv”; piuttosto Karate Kid e Guerre Stellari (difatti il maestro Shifu è una perfetta via di mezzo tra Miyagi-san e Yoda). Le uniche sensazioni “autentiche” le ho percepite in poche sequenze di combattimento. L’addestramento di Po attraverso il cibo ricorda, questo sì, certe funamboliche coreografie di Liu Chia Liang, in cui lo spazio circostante veniva letteralmente plasmato a uso e consumo della lotta marziale. Il duello tra Po e Da Lung è naturalmente debitore delle trovate slapstick dell’intera filmografia di Jackie Chan. E se l’espressività facciale di Po è tutta modellata su quella del doppiatore originale Jack Black (stendiamo invece un velo pietoso sull’adattamento italiano), l’elasticità e il dinamismo del suo fisico ciccioso non possono che avere un unico venerabile padrino: mister Sammo Hung. Ma tutto questo certo non basta a salvare un prodotto per il resto del tutto anonimo e come sempre tecnicamente inferiore all’avversario Pixar (una per tutte, gli abitanti del villaggio sembrano fatti con lo stampino). L’interesse di Kung Fu Panda sta piuttosto nell’avere sancito in maniera esplicita quanto il modello estetico orientalista sia diventato dominante anche in Occidente (e lo diverrà sempre di più nel prossimo futuro). Non posso invece che attendere con ansia quello che dovrebbe essere il primo lungometraggio in CGI realizzato interamente nel Far East: Kung Fu Gecko. Quello sì che sarà autentico kick asss kung fu!
P.S. Un plauso a Jackie Chan che è riuscito a prendere un cachet di non so quanti milioni per pronunciare solo mezza frase.
Voto:
Cerimonia di apertura dei XXIX Giochi olimpici
di Zhang Yimou
Pechino, 08/08/08
Zhang Yimou assurge ormai a status di maestro canonizzato dell’intellighenzia di regime, anche se per fortuna non realizza una cerimonia di propaganda in stile maoista, almeno nelle apparenze. In effetti, le spettacolari e vorticose coreografie di massa e lo stile pittorico e a tratti visionario non possono che rimandare alle “Otto opere modello” della Rivoluzione culturale, nonostante si sia cercato di cancellare durante la cerimonia anche il più piccolo riferimento alla Repubblica Popolare.
Semmai Zhang non fa altro che confermare la propria vocazione spettacolare, sontuosa e funambolica, intrapresa con la trilogia dei wuxiapian (Hero, La foresta dei pugnali volanti, La città proibita), riproponendo anche in questo spettacolo temi e spunti iconografici a lui cari. A cominciare dall’esortazione all’unità (prima di una Nazione e dei diversi popoli che la compongono, poi del mondo intero) come attitudine indispensabile per raggiungere l’armonia, che stava anche al centro delle riflessioni di Hero. Sempre al primo film della trilogia wuxia rimanda l’insistenza alla scrittura cinese, metafora raffinata delle “tracce” culturali e storiche di un intero popolo, testimonianze fisiche che si tramandano nei secoli (il disegno, creato con il corpo dei danzatori, che attraversa tutti i momenti della cerimonia). Ecco, Zhang tenta un viaggio alla scoperta dello “specifico culturale” cinese (obiettivo che peraltro lo muoveva sin dalle prime opere, dal teatro delle ombre di Vivere, sino ai riferimenti operistici di Lanterne rosse). E quindi, oltre alla scrittura manuale e a caratteri mobili, anche Confucio, l’Opera di Pechino, la danza delle marionette, la Via della Seta, l’Esercito di terracotta, la Grande muraglia, il Tai Chi, e molto altro ancora. La parte successiva, più retorica e con svolte kitch e populistiche (la colomba, i volti dei bambini di tutto il mondo, la musica pop), compie un balzo dall’interno verso l’esterno. La Cina moderna, globalizzata e occidentalizzata, la Cina della diaspora che letteralmente corre da un capo all’altro del mondo, ma senza abbandonare mai la memoria della propria identità. Su tutto rimangono le leggiadre coreografie aeree, mutuate dai wuxiapian: il tedoforo Li Ning, perfetto erede dei cavalieri volanti, plana sulle pagine di storia per accendere il faro della Nuova Cina. Non a caso è un imprenditore di successo.
Bellissime foto qui.
Voto: 
Asian Film Festival 2008
Sto seguendo questa sesta edizione dell'Asian Film Festival romano. Se siete interessati, trovate i miei resoconti giornalieri negli spazi di Frame On Line.
Aggiornamento: un resoconto (bello lunghetto) del festival è disponibile anche su MoviePlayer.
Aggiornamento: un resoconto (bello lunghetto) del festival è disponibile anche su MoviePlayer.
E venne il giorno
di M. Night Shyamalan
con Mark Wahlberg, Zooey Deschanel, John Leguizamo
Usa/India 2008
Ha ragione Giona A. Nazzaro su “Film TV”: E venne il giorno è un film fordiano, o per lo meno si riallaccia a quella medesima visione di cinema, autenticamente e profondamente americana, adattandola all’attuale contesto storico post-11 settembre. Tutta la filmografia di M. Night Shyamalan, dice bene Nazzaro, pone al centro del suo studio il rapporto tra spazio e personaggio (il nodo centrale su cui si dibatte la questione dell’identità americana), e neanche questo suo ultimo film si discosta da tale impostazione.
Il regista si focalizza su due concetti spaziali opposti, entrambi caratterizzati dalla totale mancanza di vivibilità. Da una parte la completa urbanizzazione che ha eliminato (o almeno così sembra in apparenza) ogni residuo di Natura: emblematica è la sequenza in cui il gruppo di superstiti protagonisti si imbatte in una casa del tutto artificiale, una sorta di modellino in scala naturale, in cui persino il cibo, nonché le piante, sono di plastica. Dall’altra, invece, il rifiuto della civilizzazione e del raggruppamento sociale, esemplificato dall’anziana eremita che vive in ermetico isolamento dal mondo, producendo essa stessa i mezzi per la propria sussistenza e rifiutando ogni comunicazione con l’esterno. La vecchia sociopatica sembra essere un residuo, ancora più estremizzato e radicale, di quel Village di cui già Shyamalan aveva decretato il fallimento.
L’unica soluzione non può che risiedere, dunque, nella via di mezzo: uno spazio sì modificato e addomesticato dall’uomo, ma in cui l’elemento naturale riesca a trovare una propria collocazione autonoma. “La macchina nel giardino”, insomma. O, se si preferisce, la costituzione di un “individualismo addolcito”, aperto a una dimensione sociale, per garantire lo sviluppo e la riproduzione della civiltà. In una parola, la famiglia come nucleo fondativo di una Nazione. Oggi, come ai tempi di John Ford, l’America si fonda sugli stessi miti, e sui medesimi compromessi e contraddizioni.
D’altra parte è superfluo aggiungere che Shyamalan non ha lo stile, per non parlare della capacità di racconto e progressione narrativa, non dico di un John Ford, ma nemmeno di uno Steven Spielberg. E, rispetto a un dichiarato modello d’ispirazione come Alfred Hitchcok, recupera l’attenzione per il simbolo e per la critica ai costumi sociali, ma si dimentica completamente di aspetti quali suspense, tensione e sorpresa.
Voto:
criticato da: rob81 alle ore 20:25 | link | commenti (8) |
categorie: prima visione, m night shyamalan
categorie: prima visione, m night shyamalan
Piccole cose di buon gusto
Il video del mio amico "Villino Abbbusivo": semplice, essenziale, ma forse proprio per questo pieno di creatività. Merita un voto su Qoob.
Il Divo
di Paolo Sorrentino
con Toni Servillo, Anna Bonaiuto, Giulio Bosetti, Flavio Bucci, Carlo Buccirosso
Italia 2008
Il concetto di “necessità del male”, così pregnante in Gomorra, giunge nel Divo a un inedito, mostruoso e insuperabile paradosso: l’obbligo di agire nel male per preservare il bene. E se davvero si può trovare un punto di comunione tra due film, per altri aspetti diversissimi, come quelli di Garrone e di Sorrentino questo sta proprio nella totale impossibilità del bene, nell’assenza di una via d’uscita che sia “giusta”. In questo senso il paragone con i grandi maestri dell’impegno politico anni Settanta (Petri, Rosi, Bellocchio, Damiani) – per altri versi azzeccato – non funziona per niente: perché l’ideologia sorreggeva ancora le opere di quel tempo, e con essa la speranza che qualcosa potesse veramente cambiare. Gomorra e il Divo sono invece ritratti funerei e necrotici, permeati da una cappa plumbea e spettrale, dove il grottesco si stringe a braccetto con l’espressionismo. Non esiste più neanche l’ipotesi di un futuro, mentre il passato può essere raccontato solo con toni apocalittici.
Ciò fa più impressione nel Divo è l’assenza di personaggi “buoni” da contrapporre ai cattivi, in una dicotomia semplicistica ma tranquillizzante che viene da sempre perpetrata nel cinema mainstream. Qui persino il giudice Caselli è un fantoccio impomatato e laccato. Gli unici “buoni” – se così si può dire – sono morti e, al massimo, sopravvivono in qualità di grilli parlanti di una coscienza che non ascolta più (Aldo Moro). Né si rintraccia, nel Divo, alcun barlume di umanità, che invece pulsava e palpitava – nonostante tutto e tutti – in Gomorra. E non c’è da stupirsi: le opere di Garrone e di Sorrentino raccontano in definitiva della stessa cosa (la pervasività e la vischiosità del male, il “tout se tient”, appunto), ma partendo da angolature opposte. Gomorra è con la gente e tra la gente, macchina a mano e altezza d’uomo. Il Divo si interessa delle alte e imperscrutabili sfere del potere: un mondo fatto di figure quasi astratte e simboliche.
E quella sorta di entità superumana, un idolo deforme e immobile, mirabilmente acconciata da Toni Servillo, non ha alcuna attinenza con Andreotti in quanto personaggio storico. È piuttosto un’icona (e in quanto tale soprattutto “immagine”) del potere, che è sempre assoluto e totalitario, spirituale e temporale assieme. Un’icona che ha tutti i caratteri della divinità (è proprio questa l’etimologia della parola Divo): eternità, fissità (anche dello sguardo della macchina da presa), centralità (anche all’interno dell’inquadratura), impenetrabilità, totale assenza di umanità. Un totem che arranca in palazzi secolari, si affanna tra le strade che furono dei Cesari (anche di Giulio…) e dei Papi, reincarnado quello stesso potere in maniera grottesca e quasi depravata.
Un gatto, come lo erano le divinità egizie. Sette governi e sette vite. Sette Telegatti, anche, ma questo è solo il segno dei tempi.
Un gatto, come lo erano le divinità egizie. Sette governi e sette vite. Sette Telegatti, anche, ma questo è solo il segno dei tempi.
Voto: 
criticato da: rob81 alle ore 12:13 | link | commenti (17) |
categorie: prima visione, paolo sorrentino
categorie: prima visione, paolo sorrentino
Gomorra
di Matteo Garrone
con Toni Servillo, Gianfelice Imparato, Maria Nazionale, Salvatore Cantalupo
Italia 2008
Matteo Garrone riesce in un vero e proprio miracolo, quello di dare corpo e sostanza cinematografica all’opera-monstre (in tutti i sensi) di Roberto Saviano rimanendo sorprendentemente fedele ai contenuti, ma non prescindendo assolutamente dallo stile di quest’ultima. L’ibridismo tra fiction e documentario del Gomorra romanzesco viene traslato su pellicola ricorrendo a un artificio efficacissimo e geniale. Il Gomorra cinematografico è al tempo stesso puro documentario e raffinato cinema d’autore. La narrazione, che procede a grado zero senza alcun intervento extra-diegetico (rarissimo che in un film tratto da un libro non si ricorra a voci fuori campo esplicative o integrative), ha una struttura certamente neorealista, ma direi di più, quasi alla Verga, cui è accomunata anche dalla stessa visione fondata sull’ineluttabilità. Un processo corale, per cui la storia si sviluppa letteralmente da sola e prende corpo a partire dai personaggi, le cui scelte e azioni, in un fitto ordito di contatti e interscambi, determinano l’intreccio. Eppure, all’interno di questo schema, Garrone trova anche spazio per inserire l’impronta dell’autore-scrittore, la caméra-stylo del grande artista che non rinuncia alla propria cifra, pur piegandosi con deferenza e rispetto quasi morale alla materia trattata. Ed ecco che in certi momenti Gomorra sembra quasi un incubo espressionista, una collezione di oscure maschere che paiono uscite da un delirio di Goya, dove non mancano picchi di puro onirismo (il girotondo di autocarri guidato dai bambini, due ragazzetti in mutande che sparano all’aria in un acquitrino deserto). Insomma il film di Matteo Garrone riesce nel miracolo di incrociare alla perfezione la dimensione del reale e quella dell’incubo, facendoci precipitare in quell’incubo della realtà che viviamo ogni giorno senza quasi accorgercene.
E tutto questo senza rinunciare alla missione civica del testo di Saviano. Gomorra supera il concetto di “banalità del male” per sfociare direttamente in quello di necessità del male. Passare dall’“altra parte” – in questo senso l’espressione in dialetto napoletano è efficacissima – è un meccanismo automatico e naturale, necessario alla stessa sopravvivenza. E nessuno può sfuggire al contagio: spacciatori, prostitute, assassini, sfruttatori; ma anche “colletti bianchi”, ingegneri, industriali, artigiani, semplici ragazzini che portano la spesa. E ancora: italiani, cinesi, africani, rumeni. Napoli, Venezia, la Francia. Perfino Scarlett Johannsson: “tutto si tiene”, come direbbe, non a caso, il Divo di Sorrentino.
Voto:
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Le immagini e i filmati sono dei rispettivi proprietari.
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